画意摄影

第四章：画意摄影一、什么是画意摄影（重点）画意摄影流派产生于19世纪80年代，到20世纪20-30年代早期终止。画意派主张摄影师表现自己的个性和才华，不依附传统模式。强调画面中影调、线条、平衡等美学元素的重要性超过照片的现实意义。当时，画意派很少采用类似拼贴、叠合等方式产生类似绘画的效果，而是通过直接的拍摄和采用特殊工艺的制作。二、画意摄影的本质和特点若说画意派摄影需要一个定义，毋宁说需要一个地位。事实上，建立在更高层次之上的审美需求，将画意类作品置于很玄妙的境地：与鲜活热辣的时尚摄影相比，似乎更为“阳春白雪”一些，也更为隽永；而与单纯的瞬态拍摄相比，则更具内涵。以个人的理解来看，画意摄影实际上就是：瞬态拍摄+时间或空间场景+绘画技法结合而成的摄影作品。一句话，若说瞬态摄影是历史的见证，可以为之做注脚；画意则是可以装点生活的道具，是可以关照审美享受的载体，应该出现在人们生活的各个角落。对画意摄影来说，“画”是一种形式，要把这种形式变为有意义的作品，就要把个人的观念融入照片里。因此“画意”首重“意”字，若只追求画面效果，忽略画面内的意图，也只能是一幅失败的作品。两者比较，摄影是记录性大于可读性，一幅摄影作品不一定让读者赏心悦目，但其历史的传承使其具备了史料的价值；画作则是可读性大于记录性，画家把自己的意图更直接地倾注在画布上，以其艺术的独特价值吸引人们的目光。三、画意摄影的要求（重点）意”大于“画”对一副成功的作品来说，画面中的独特内涵总是让人惊喜、值得玩味的焦点，而其间的表现手段却往往会被无意间忽视掉。因为无论绘画的笔触，或是摄影、制作的技巧都是可控的，通过大量的练习即可达到，而观念的“意”才是金子中的钻石。所以在拍摄前，一定要问自己：我的创作意图是什么？需要什么样的场景？表现的地点是什么？时间年代如何？总之，决不能没有情节、没有故事，否则画面也就没有了基石。“画”大于“摄”画意摄影的根本始终是摄影，但是如果脱离开“画”的形式，画意摄影是否也就没有意义了？“画”作为外在特点之一，是这种形式的一部分。既然说是画，就要更多地遵循于画的美学原理。如何使画面更美，更符合美学原理的角度出发，去实现拍摄元素的排列与组合。对于用光要求也是同等的，一幅美的作品无不是光的艺术，不止是摄影，画画也同样如此。了解更多的美学规则，是摆在“画意派”面前的艰难任务，也是持之以恒的最高准则。“摄”大于“做”照片的品质好，后期的工作会相应减少很多，只一味地追求最后一环，一切靠后期的想法是错误的。这要求作者对摄影器材的掌握如臂使指，合理地运用自己的摄影器材。如果你喜欢浪费快门，那么在不加选择的拍摄中，往往会使自己与被摄者的耐心消耗殆尽。这一点无论对“摄影”还是“作画”来说，都绝无好处。应该说，摄影师突破自己的最好方法便是了解生活，以及被摄者的生活常态，结合自己的场景选择来表现。一个很好的办法是提前做好腹稿，最好用笔画出简图，拍摄前与被摄者进行充分交流，如果有类似的照片做参考更好。“做”大于“型”作画有写实派也有写意派，有婉约派也有豪放派，画意摄影同样如是。掌握不同的手法完成自己的作品是非常重要的一环。了解绘画的朋友都知道，素描、水粉、水彩、油画、国画、混合颜料、混合材质、画布、速写纸、素描纸、水粉纸、水彩纸、乃至墙面喷涂的肌理与纹路都是不同的，笔触的质感也是不同的，有无数的肌理元素等待我们探索。另一方面，则取决于摄影师掌握的“图库”数量，即摄影师对拍摄素材的积累。“手法”和“图库”之后，才是模特的“型”。通过瞬态拍摄获得的“型”可能是接近完美的，但画意的主题内涵与表现形式才是作品成败的关键。简单来说，即在后期过程中，对画面组成元素的“质感”的实现是一个关键环节。那么具体到画意人像的创作上，又应该如何理解？如今，画意派摄影作品似乎在主流之外形成了一条小河，这种独特的表现方式已经被更多的人所接受，尤以人像作品和风光作品吸纳最快。具体到画意人像的创作上。画意与人物的融合艳俗类人像摄影作品往往更关注模特表现的精准与情绪。画意摄影也是如此，其实每个画意派摄影师更希望自己的模特是一个表现在画架前的职业模特，但如果面对大众市场而非拍卖或者画廊销售时，人像拍摄将到原点，照顾到客户情绪的同时，最好的办法是发掘客户的历史与审美爱好。笔者曾经拍摄过类似的摄影作品，清淡的水彩痕迹让客户想起儿时快乐的时光，而以自己作为模特变为画中的主人公，是除谈心外更能获取好感的手段，画意类作品注重生活高于生活，即使是普通的客户，也不允许出现失败的作品，因为那是你的而不仅是客户的。