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古希臘羅馬時期的音樂时间约为公元前3200年~公元400年。这部分的音乐资料只能从考古而来，从发掘出的绘画、雕塑及少量流传下来的诗歌文学与哲学著作可以进行了解，但几乎是不可能聆听与欣赏。有资料统计这一阶段残存下来的乐谱还不到10件，但是从残存下来的雕塑等诸多文化遗产可以看出曾经存在过的辉煌与成就，古希腊的大哲学家都曾对音乐进行过讨论与研究，这被后人视为西方音乐之源。在公元前12世纪~前8世纪荷马时期的两部史诗反映了古希腊的音乐文化。史诗本身既是文学作品又是音乐作品，它由职业弹唱艺人“阿埃德”用一种叫基萨拉的乐器伴奏吟唱。公元前776年，古代奥林匹克运动会开始举行，在比赛时常伴有音乐，后来产生了音乐比赛。公元前7世纪~前6世纪，斯巴达把音乐作为国事活动与教育的重要手段，使音乐得到了进一步的发展。公元前146年后，古罗马征服希腊后，它的文化主要受益于希腊，同时又吸收了叙利亚、巴比伦、埃及等国的文明成果。歐洲中世紀音樂中世纪时期约为公元450-1450年。这一时期的音乐活动都在教会的控制之中，音乐以歌唱颂歌为主，歌词都是采自圣经中的诗篇。对中世纪音乐贡献最大的是米兰主教安布罗斯和教皇格里高利一世。公元390年左右，安布罗斯推行对圣歌的双声合唱，引入和声，并准许非僧侣、教士的俗人参与演唱。使教会音乐得以发展和普及。公元590年-604年在位的教皇格里高利一世，编出一套用于庄严礼拜的曲目，并用法律形式规定在祈祷仪式中必须有音乐，形成一整套格里高利圣咏，成为宗教创作的典范，后来又发展出记谱法，虽然尚没有小节线和五线谱，但使用高低位置记谱的方法为五线谱的发明提供了基础，这种记谱法只有四行线，每行前面有三个菱形谱号，结尾有一个菱形谱号提示下一行音高，基本是五线谱的雏形，但不能表示节奏。还成立了培养歌手的学校，在教会势力范围内大力推行音乐，使教会音乐在10世纪以前成为欧洲的主要音乐形式。文藝復興時期的音樂文艺复兴时期约为公元1450-1600年，在中世纪“新艺术”的基础上，更加追求人性的解放与对人的内心情感的抒发与表达。这时的音乐家在人文主义思潮的推动下，对复调音乐进行了发展和变革，声乐与器乐逐渐分离而独立发展。这一时期五线谱已得到完善，印刷术也运用到曲谱上，这都使音乐的传播更加便利和广泛。这一时期有以下几个较有影响力的乐派：尼德兰乐派主要音乐活动在尼德兰的一批音乐家。创作内容多为弥散曲与经文歌等宗教音乐，也有世俗音乐。代表人物有迪费、若斯坎、汴舒阿、奥凯格姆等。威尼斯乐派在1530-1620年间的一个器乐乐派，其特点是音响气势宽广宏大、对比效果鲜明。创作内容有铜管乐与弦乐的重奏曲、管风琴的前奏曲、幻想曲与托卡塔等。代表人物有维拉特、A.加布里埃利等。罗马乐派此时期的一个专门创作服务于宗教作品的乐派，以无伴奏合唱的形式为主。代表人物有帕莱斯特里纳、G.M.纳尼诺、F.索里亚诺等。巴洛克音乐巴洛克音乐指歐洲在文艺复兴之後開始興起，且在古典主義音樂形成之前所流行的音樂類型，延續期間大約從1600年到1750年之间的150年。巴洛克（Baroque）一词来源于葡萄牙语“Barocco”，意指形态不够圆或不完美的珍珠，最初是建筑领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域。在藝術領域方面，巴洛克風格的特徵是精緻細膩的裝飾以及華麗的風格，造成這種現象的主因，是因為巴洛克時期是貴族掌權的時代，富麗堂皇的宮廷裡奢華的排場正是新的文化以及藝術的發展中心，而這個大環境的改變也直接的影響到了音樂家的創作。十七、八世紀宮廷樂師所寫的音樂作品，絕大部分是為上流社會的社交所需而做，為了炫燿貴族的權勢以及財富，當時的宮廷音樂必定得呈現出炫燿的音樂以及不凡的氣度，以營造愉悅氣氛。巴洛克音乐的特点是极尽奢华，加入大量裝飾性的音符。节奏强烈、短促而律动，旋律精致。复调音乐（複音音樂）仍然占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也在蓬勃发展。于是复调的和声性越来越明显。复调在J.S.巴赫时代发展到极至。數字低音及即興創作是巴洛克重要的部分管弦樂團編制尚未標準化主要作曲家意大利：科莱里（ArcangeloCorelli,1653-1713）A.斯卡拉蒂（AlessandroScarlatti,1660-1725）维瓦尔第（AntonioVivaldi,1678-1741）D.斯卡拉蒂（DomenicoScarlatti,1685-1757）德國：巴赫（JohannSebastianBach,1685-1750）亨德尔（GeorgeFridericHandel,1685-1759）泰勒曼（GeorgPhilippTelemann,1681-1767）法國：呂利（Jean-BaptisteLully,1632-1687）弗朗索瓦·库普兰（FrancoisCouperin,1668-1733）让-腓力·拉莫（Jean-PhilippeRameau,1683-1764）英國：普赛尔（HenryPurcell,1659-1695）音樂創作巴洛克音樂創作的發展中心以貴族的宮廷、私人組織的學會以及天主教教會為主，其中又以宮廷最具影響力。此時期的音樂創作除了適合在宮廷裡演奏的大協奏曲（concertogrosso）以外，還有貴族沙龍裡帶有私密氣氛的小規模樂器奏鳴曲（Sonata）；彌撒、神劇、受難曲以及豐富的管風琴曲目，令教堂充滿了聖神的光彩；另外，歌劇在威尼斯快速興起，藉著音樂和戲劇的結合將情感抒發到最高點。音樂創作從此步入了一個蓬勃發展的階段。樂器作品類型當時富有的貴族大多都擁有專屬的樂團，以便在宮廷中娛樂賓客，而變化多樣又音樂寬廣的樂器曲就廣受青睞。樂器曲崛起後，音樂的創意更有了發揮空間，音樂家開始發展出不同的樂曲類型：組曲（Suite）组曲是一种套曲形式的器乐曲或交响曲，即各自独立的不同乐曲的组合，在巴洛克音乐时代为古典组曲/舞曲組曲，所有套曲都是同一调式，都是从舞曲演变来的。18世纪以后为现代组曲。巴洛克時期的組曲雖由舞曲組成，但實際上並非作為舞蹈用途，而是經過風格化後供大家欣賞或演奏用的音樂。舞曲風格化的現象在文藝復興晚期便已存在，舞曲所組成的組曲也在當時便略具雛型。到了巴洛克早期，組曲則是主要的樂器作品類型之一。巴洛克中期以後，德國音樂家JohannJacobFroberger(1616-1667)為組曲設計了一個較固定的組合方式：古典组曲包括四首舞曲乐章，1.阿拉曼德舞曲(allemande)，是一种四拍子中速的德国舞曲；2.库朗特舞曲(courante)，是一种三拍子快速的法国舞曲；3.萨拉班德舞曲(sarabande)，是一种三拍子慢速的西班牙舞曲；4.吉格舞曲(gigue)，是一种极快速的英国舞曲。在吉格舞曲之前，可再加入其他的舞曲，例如布雷舞曲(bourree)、嘉禾舞曲(gavotte)、小步舞曲(minuet)等。组曲形式是17世纪在法国开始发展起来的，后来加入了英国的吉格舞曲，作曲家可隨意選擇不同的舞曲將其組合成為組曲。许多作曲家写过组曲，巴赫的钢琴曲《英国组曲》和《法国组曲》，亨德尔著名的《水上音乐》和《焰火音乐》也是用组曲形式写的。他们经常在萨拉班德舞曲和吉格舞曲中增加新的内容。巴赫为大提琴、小提琴、长笛和其他一些乐器都写过组曲。亨德尔写过22种调式的组曲。17世纪以后，组曲被认为是一种过时的老形式，很少有人再写组曲。19世纪时，组曲又重新流行起来，但已经演变成现代组曲。现代组曲一般只保留一首舞曲，其余的有从歌剧、舞剧和其他戏剧配乐中选出的乐曲片段，如《天鹅湖组曲》等，甚至可以从电影音乐中选出。乐章的数目也是自由的，只是最少得有两个乐章，最多甚至达二、三十个。调性也可以改变。所以有很多民族音乐家采集民歌曲调写组曲，著名的如芬兰的西贝柳斯、挪威的格里格和俄罗斯的柴可夫斯基等都写过组曲形式的著名乐曲。奏鳴曲（Sonata）奏鸣曲(Sonata)是种器乐音乐的写作方式，此字彙源自拉丁文的sonare，即發出聲響。在古典音樂史上，此種曲式隨著各個樂派的風格不同也有著不同的發展。奏鳴曲的曲式从古典樂派时期開始逐步發展完善。19世紀初，給各類樂器演奏的奏鳴曲大量出現，奏鳴曲儼然成為了西方古典音乐的主要表现方式。到了20世紀，作曲家依然創作著給樂器演奏的奏鳴曲，但相較於古典樂派以及浪漫樂派的奏鳴曲，20世紀的奏鳴曲在曲式方面已有了不同的面貌。奏鳴曲簡史巴洛克時期奏鳴曲在十七世紀初是指為一或二件旋律樂器，以及一個數字低音聲部而寫的樂器作品，也就是一種重奏曲。巴洛克時期的奏鳴曲主要有兩種，「獨奏奏鳴曲」(solosonata)以及「三重奏鳴曲」(triosonata)。由於在這個時期的樂器曲均有一個數字低音聲部存在，因此，參與演奏的人數並非其名稱上的數目。巴洛克初期的奏鳴曲可由單一樂章或是多樂章而組成，當時的樂章尚未有固定的排列順序及形式，奏鳴曲的樂章可自由的跟舞曲混合。17世紀中開始，奏鳴曲可供不同場合使用之需而分為「教會奏鳴曲」(sonatadachiesa)以及「室內奏鳴曲」(sonatadacamera)。「教會奏鳴曲」的風格較嚴謹，大多是由注重對位法的樂章而組成；「室內奏鳴曲」則在前奏曲後接上舞曲，風格和曲式都自由許多。從這個時候開始，「教會奏鳴曲」在樂章的排列順序上漸漸有了規範----四個樂章，各樂章的速度為慢─快─慢─快。到了科萊里(ArcangeloCorelli1653-1713)時期，他數量豐富的小提琴奏鳴曲作品更是奠定了「教會奏鳴曲」的排列順序。「室內奏鳴曲」雖然還是沒有固定的樂章數目及順序，但是也開始沿用轉換樂章時變換速度這個規則。小提琴在巴洛克初期是最被看重的一種旋律樂器，因此當時有大量的小提琴奏鳴曲出現，此外，還有無伴奏的小提琴奏鳴曲存在。在此種曲式中，又屬巴赫所做的六首小提琴無伴奏奏鳴曲、組曲最考驗演奏者的技巧。至於鍵盤樂器方面，早期的鍵盤樂器奏鳴曲數量並不多，一直到巴洛克盛期，由D.史卡拉第(DominicoScarlatti1685-1757)寫下數百首單樂章的鍵盤奏鳴曲之後，此類奏鳴曲才躍升為主流。古典樂派受到啟蒙時代的理性思考所帶來的影響，古典樂派的音樂無論是在創作風格或是技巧上都和巴洛克音樂形成了強烈的對比。由於此時期的音樂家開始運用簡明的曲式從事創作，導致曲式的結構在古典樂派漸漸確立成形。這個轉變也為奏鳴曲帶來了固定的創作形式。古典樂派時期的奏鳴曲大多是由三或四個樂章組成，除了少數例外，這個時期的多樂章作品中的第一樂章，一定是快板，而且是採用「奏鳴曲式」創作，其調性則是樂曲的主調。第二樂章通常是和第一樂章形成對照的慢板，曲式並無一定，可以是二段式(體)、三段式(體)、或者是變奏曲等。在由四個樂章組成的奏鳴曲裡，第三樂章多為小步舞曲(minuet)或是詼諧曲(Scherzo)，這兩種曲式都是三段式(體)，速度通常是中等到快速的範圍內；如果樂曲由三個樂章組成，第三樂章則會有終章的氣勢。第四樂章要具備終結全曲的氣勢，必須能和第一樂章互相呼應，作曲家偶爾會採用「奏鳴曲式」或是生動活潑的「輪旋奏鳴曲式」創作。上述的曲式結構在十八世紀後期成為固定模式，海頓、莫扎特以及貝多芬的多樂章作品，均採用此格式創作。浪漫樂派十八世紀末，法國的中產階級對於貴族及教會長期掌握政權、無視平民生活苦楚的情形逐漸感到憤怒，這股激憤的民心逐漸凝聚成一股革命的力量，這次革命活動並為西方歷史帶來了重大的改變。中產階級在激烈的戰爭後打垮了貴族及教會組織，此番革命浪潮席捲了整個歐洲，歐洲的社會階級劃分也瀕臨全面瓦解的命運。浪漫主義正是在這樣風起雲湧的時代中所產生的時代精神，追隨著此等精神，藝術創作逐漸變得自由、主觀。浪漫樂派的奏鳴曲大多數仍保留古典樂派所傳承下來的四個樂章的形式，但是和古典樂派的奏鳴曲相比，此時期奏鳴曲的樂曲長度明顯的增加了許多。在曲式方面，古典樂派的曲式結構仍被採用，但是大多數人僅約略遵循曲式的規範，有的作曲家將曲式的結構完全拓展開來，有的作曲家則省略部分結構。浪漫樂派後協奏曲（Concerto）協奏曲：concerto