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1HistoryofWesternMusic西方音乐史北京工商大学主讲：刘兆2013.12主讲人自我介绍刘兆，1986年出生，毕业于俄罗斯圣彼得堡国立音乐学院，获得音乐演奏与教育硕士学位。2012年3月进入北京工商大学体育与艺术教学部开始从事音乐教育工作，主讲课程《动漫音乐赏析》、《西方音乐史》。刘兆联系方式地址：北京市海淀区阜成路33号北京工商大学西校区体育与艺术教学部艺术教研室邮编：100048E-mail：46416645@QQ.comQQ：46416645如何学习西方音乐史课程？1.课程的设置本课程共51学时1-17周上课，18周随堂期末考试共八个章节第一章概论第二章古希腊与古罗马音乐第三章中世纪与文艺复兴音乐第四章巴洛克时期音乐第五章古典主义时期音乐第六章浪漫主义时期音乐第七章民族乐派与印象派第八章二十世纪音乐2.考核办法总分=平时成绩X50%+期末考试分数X50%平时成绩包括三部分：考勤成绩、期中成绩、平时加分考勤：随堂点名，每次10分，全学期全勤记80分期中考试：在期中随堂小测验，10分平时加分：2-5分包括平时回答问题，上台参加展示期末考试：开卷百分制第一章概论一、西方音乐史的定义二、西方音乐史的特点三、西方音乐欣赏的途径、礼仪、方法一、西方音乐史的定义什么是西方音乐史？定义：西方音乐史是一门立足于文化史、艺术史的大背景下按照历史的脉络研究西方古典音乐（classicalmusic）发展过程的课程。请问什么是古典音乐？“古典音乐”名词释义“古典音乐”是英文classicalmusic的中文翻译。是音乐中的一个很大类别，是指那些从西方中世纪开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的，具有复杂多样的创作技术且承载文化内涵的音乐。西方音乐史的范围时间范围：公元476-现在具体分为八个时期：中世纪（476-1474）文艺复兴（1475-1600）巴洛克（1600-1750）古典主义（1750-1820）浪漫主义（1820-1900）印象主义（1880-1920）现代主义（1900-1985）后现代主义（1945-现在）二、西方音乐史的特点1.西方音乐史有独特的研究方法与其他学科不同，西方音乐史的研究方法主要不是阅读学术著作或历史文献而更多是靠欣赏和分析具体的音乐作品来进行的。通过分析具体音乐作品的风格，了解作曲家的生平和所处的时代特点来总结各个时期音乐的发展特点是西方音乐史独有的研究方法。2.西方音乐史与宗教发展密不可分宗教文化是西方文化发展的核心之一，它对西方音乐的影响是巨大甚至是决定性的。基督教会在很长一段时间里是音乐活动的官方中心，传递教会思想成为音乐的核心作用，正因如此音乐中相当数量的作品都是宗教题材的，如《弥撒》、《安魂曲》、《弥赛亚》都是具体的体现。3.西方音乐史特别重视个人的作用从文化层面上，音乐最终展现的是某一时期社会的文化思想，而音乐的发展也是与社会的进步密不可分，但是最终我们在研习西方音乐史的时候，更加侧重的是对某些个人（作曲家）的研究，强调个人对音乐文化发展的所起到的作用。三、西方音乐欣赏的途径、礼仪、方法1.欣赏音乐的途径2.欣赏音乐的礼仪3.欣赏音乐的方法1.欣赏音乐的途径（1）电视、广播媒体CCTV-音乐频道北京古典音乐FM98.6奇美古典音乐（网络电台）（2）各类音像出版物CD专辑DVD光盘网上下载的音乐专辑（3）观看现场演出国家大剧院北京音乐厅中山音乐堂保利剧院2.欣赏音乐的礼仪带着耳机或坐在电视机前欣赏音乐显然不需要注意任何的仪态，但当你走入一家剧院或音乐厅欣赏音乐会时，就要“入乡随俗”了解并遵守一些礼仪才能获得更完美的体验（1）着装要整齐与流行乐和摇滚乐的音乐会不同，欣赏古典音乐会的演出要求着装正式、整洁，这沿袭了过去欧洲文化的一些传统，在一些非常隆重的音乐会上人们甚至会穿着礼服或晚礼服。（2）欣赏时保持安静，适当鼓掌在欣赏音乐会时保持安静并适当的鼓掌才能与演奏家建立良好的互动，保证演出的效果。与流行演唱会重视热闹参与的互动效果不同，欣赏古典音乐会时听众不需要参与其中，只需要安静的体会音乐的美感和内涵即可，安静的聆听是对作曲家、演奏者最大的尊重，同时也是对其他听众权利的保护。鼓掌与叫好在欣赏音乐会时是可以使用的，但要注意方式和时机。一部音乐作品不管长短，都严禁在乐曲的停顿处或“乐章”之间鼓掌（歌剧除外），而要在整个乐曲结束后才能鼓掌。在鼓掌时要热烈而持久，这是对作曲家和演奏者最大的肯定和鼓励。有时在音乐会最后演奏家为了回馈热情的观众还会加演几首作品，这称为“返场曲”（Encore）3.欣赏音乐的方法欣赏和体会音乐的美感是每个人与生俱来的能力，对于一般的通俗、流行音乐我们无需掌握任何的知识就可以轻松理解其中的含义。而古典音乐则不然，由于古典音乐具有深刻性和复杂性的特点，因此我们想要真正听懂古典音乐就需要更加专注的聆听，同时要掌握一些相关的知识。当我们能够运用这些音乐的相关知识来分析古典音乐作品时，我们更能充分的感受到他所释放出的不可思议的魅力。具体来讲音乐的表现技法主要有：1.节奏2.旋律3.调式4.和声5.音色6.结构7.风格1.节奏音乐的骨架--节奏节奏是音乐最基本也是最重要的构成要素，在我们欣赏任何一段音乐时，我们首先感知并感染我们的往往是节奏。节奏是什么？本质：节奏是事物运动在时间上的表现形式。奥地利音乐评论家汉斯·力克认为：“自然界中并没有旋律，也没有和声，唯有负载着这两种要素的第三种要素：节奏，在有人类之前，并且不依赖人类就已存在了。”1.节奏的定义：广义的节奏：一切协调、平衡、律动的运动都可以成为节奏，例如：波浪的波谷和波峰之间的变化和组合所构成的运动。音乐中的节奏：是音的长短关系。节奏以音的长短、强弱及其组织关系的固定性和准确性来组织音乐。也就是说节奏是音乐中表现乐音长短上区别的一个概念。需要强调的是一首音乐作品可以没有曲调，不用乐音，但永远离不开节奏。人类最初的音乐就是只有节奏或以节奏为主的。在现存的民间音乐里，也有只用打击乐器的音乐。这说明，离开有固定音高的音符，节奏本身就有巨大的表现力，就有独立的“节奏美”。这种情况下，节奏是音乐唯一的“生命线”。2.节奏的作用节奏是音乐中必不可少的一个要素。节奏的作用主要有以下四点：1.影响音乐的整体风格2.保持音乐的统一性3.帮助形成旋律线4.激发听众的情绪3.把握音乐的节奏如何把握（理解）一段音乐的节奏呢？节拍节拍是衡量节奏的单位，当人们创作音乐时，会人为的将音乐划分成一些相等的单元，形成比较均衡的律动，而很多这种律动遵循一定规律组合就形成了节拍。在某些（圆舞曲或进行曲）音乐中我们会强烈的感受到节拍的存在，而有些音乐中则相当模糊，当我们欣赏某些音乐时脚轻轻拍打地面或拍手时，实际上是我们捕捉到了音乐的节拍并做出了反应。节拍是有强弱区别的，音乐中有些被强调的拍子就会成为强拍，反之就叫弱拍，不同强弱拍组成的不同的节拍组合形成了各种不同的音乐，比如，当节拍呈现强-弱、强-弱这样的组合时，我们一般称为2拍子的节奏，进行曲往往使用这种拍子，强弱拍实际对应了人的左右脚的动作，当节奏以强-弱-弱的方式组成时，就是一个典型的圆舞曲节奏，其节奏对应的是转圈的圆舞曲的舞步。不同时期的不同民族不同类别的音乐，其节奏、节拍都有着非常大的区别，因此我们要了解节奏的概念，并在欣赏音乐时特别注意其节奏和节拍的特点。2.旋律音乐的灵魂--旋律旋律是什么？旋律的定义：经过艺术构思而形成的若干高低不同的乐音有组织、有节奏的和谐运动称为旋律。它建立在一定的调式和节奏的基础上，按一定的音高、长度和音量构成的、具有逻辑因素的单声部进行。一般我们也把旋律称为曲调。旋律和节奏都是构成音乐最基本的要素，而两者的区别在于节奏是音的时间概念，他不关注音本身的高低，而旋律更多的关注的是乐音的相对之间的高低关系。什么是音高？音高是指各种不同高低的声音，即音的高度，音的高低是由振动频率决定的，两者成正比关系。频率低的音给人以低沉、厚实、粗犷的感觉；频率高的音给人以亮丽、明亮、尖刻的感觉。弦律是音乐语言中最重要的元素，可以说它是音乐的灵魂，是音乐表达情感的重要手段。一部音乐作品他的旋律越优美我们越容易被它所感染，从而投入到音乐中去。弦律是由高低、长短、强弱等组成的音的“线条”，所以也被称为“弦律线”，现在一般用五线谱来记识。旋律线的起伏跌宕可以将人们不同的情感及变化过程细腻而深刻地表现出来。旋律对于音乐就好比情节对于小说，肩负着音乐传情达意的重任。有许多音乐作品，人们或许已经说不出它们的名字和出处，也记不清完整准确的歌词，但是却能记住它们优美的旋律，每每哼唱仍能朗朗上口，这就是旋律的魅力。如何理解音乐作品中的旋律？要掌握旋律的走向旋律是由不同音高的音组成的线条，是音乐的横向结构，因此旋律线是有其走势的，旋律的走势一般有五种：平缓式、上行式旋律，下行式，重复式和跳进式的旋律。不同的旋律走势给我们带来的听觉感觉是完全不同的。音乐作品中的旋律平缓式旋律--情绪稳定，安静平和，乏味。上行式旋律--开朗、振奋，也表现快乐与胜利下行式旋律--仿佛深情叹息，表达忧郁悲伤的情感重复式旋律--造成累加的紧张感或磅礴宏大的气势跳进式旋律--像是抑扬顿挫的说话语调，开阔、活跃、带有幻想性欣赏音乐片段平缓式旋律--《乡村骑士幕间曲》上行式旋律--《查拉图斯特拉如是说》下行式旋律--《悲怆交响曲第四乐章》重复式旋律--《托卡塔与赋格》跳进式旋律--《行星组曲--木星》旋律具有传递音乐作品思想内容的重要作用，同时旋律又具有很强的变化性，不同内容、不同的作曲家的旋律都有不同的走向和特点，因此在欣赏一首古典音乐的过程中掌握旋律的特点，可以让我们更直接的了解一部古典音乐作品的内涵。3.调式调式是什么？调式的定义：若干高低不同的乐音，围绕某一有稳定感的中心音，按一定的音高关系组织在一起，成为一个有机的体系，称为调式或调性。调式是人类在长期的音乐实践中创立的乐音组织结构形式。通常在阐述调式这一概念时，把调式的中心音--主音作为起点和终点，其他各音按音高的顺序依次排列成音阶的形式，称调式音阶。在不同的历史时期与不同的民族和地域，形成各种不同的调式。例如我们中国有五声调式，西方音乐有大小调式等等。不同的调式由于其组成的音不同，排列的顺序也不同，因此不同调式的所创作出的音乐风格一定也有很大的差异，掌握调式的基本规律有助于我们理解、欣赏一部音乐作品。调式其实有很多很多，每个国家民族不同的时代都有自己的调式，但是对于欣赏古典音乐来说，最需要掌握的调式就是西洋的大小调式，西方音乐的大调与小调大调与小调大致产生于17世纪，是西洋音乐中最常见的调性，它们都是由7个音所组成的，他们的区别在于“主音”不同。从听觉感受上来说：大调--活泼、明朗、开阔小调--内敛、柔和、暗淡4.和声什么是和声?和声的定义：两个及以上不同的音按一定的法则同时发声而构成的音响组合。和声包括纵向与横向两个概念。它既可以指同一时间内多个音的纵向叠加，这称为“和弦”。而各和弦的先后连接则产生和声的横向结构，称为和声进行。和声的作用在于增加了音乐的深度和丰富性(就像绘画作品中的背景)，单纯的旋律即使再优美总是会略显单薄，而和声具有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用，和声可以衬托旋律，并且可以通过和声的色彩以及配合其它因素，塑造音乐形象、表现音乐内容。5.音色当我们欣赏音乐时，除了音乐本身会给人留下持久深刻的印象外，另一个重要要素也会引起我们的关注，那就是不同乐器演奏出的不同音色。什么是音色音色的定义：不同乐器或不同人声所发出的不同声音的特性，包括圆润度、饱和度、清晰度、共鸣效果等。这些特性的不同，使我们能够区分各种不同的声音。例如，分别用小提琴和古筝演奏同样的曲目，我们也能够轻易地将二者区分开来。这就是音色的区别。不同的音色具有不同的气质和情感色彩，因此