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第一章古希腊和古罗马时期古希腊时期的音乐诗、歌、舞三位一体。★乐器有里拉琴、基萨拉、带簧片的阿夫洛斯和排箫式的西林克斯。罗马音乐的特点：实用化、仪式化、职业化。第二章中世纪时期★格里高利圣咏：又称平素歌或固定调，是罗马教皇格里高利一世在吸取了古代东方音调、古希腊音乐及民间音调的基础上创编的教堂歌调，是基督教会举行弥撒时所用的音乐，单声部，唱词拉丁文，内容取自《圣经》。★格里高利意义：体现中世纪刻板严格的精神，统一了天主教音乐，摆脱了民间音乐的即兴表现，口传心授的形态，是中世纪音乐中一部经典的文献。弥撒：是天主教的一种仪式音乐，主要为合唱，也有重唱与独唱，采用固定调的拉丁文歌词，多为无伴奏的复调风格声乐套曲，六个乐章，《求主怜恤》《荣耀》《信仰》《圣哉》《祝福》《上帝的羔羊》。复调音乐奥尔加农：14——19世纪复调音乐发展的一种重要类型，分为：平行奥尔加农：在原有圣咏的下方加入相距四度或五度的声部，两个声部基本保持严格的平行关系。复合奥尔加农：在平行奥尔加农的基础上，两个声部又单独进行八度重叠，从而构成四声部，实际是平行奥尔加农的复合形式。复调音乐的其他形式：第斯康特①是由作曲家自行创作，②各声部用相同节奏。★节奏模式遵循“三分法”的原则。声部之间类似音对音的形式。孔杜克图斯：拉丁文单声部，也可以是多声部的。克劳苏拉：是13世纪第斯康特向经文歌过渡的一种复调形式。经文歌：是13世纪下半叶最流行的复调形式，各声部间的曲调不同，歌词也不同，听起来饶有趣味。圣母院派的复调：巴黎圣母院是12-13世纪这一时期重要的复调音乐创作中心。因此将其称为“圣母院乐派”。代表人物：莱奥南，编写《奥尔加农大全》，尤其是以写作华丽奥尔加农而著称。佩罗坦：继莱奥南之后的圣母院乐派的第二代大师，曾对莱奥南的《奥尔加农大全》做过修订，佩罗坦的音乐注重节奏性，原来存在于奥尔加农中华丽的旋律被鲜明的节奏性所取代，奥尔加农也有过去的二声部扩展为三至四个声部。★佩罗坦与莱奥南不同的是，各声部都采用有量记谱的形式。音乐思想波依提乌的《音乐体制》是中世纪时期的重要音乐著作。★他提出“天乐”的观念，认为音乐包含着宇宙的和谐和数的秩序，他还将音乐分为：“人的音乐”和“乐器的音乐”。法国音乐家维特里写作的《新艺术》一文，介绍当时新的音乐概念。后来“新艺术”成为了一个时代的艺术风格特征。记谱法的发展“纽姆”一词源于古希腊语，意为“手势标记”纽姆谱：最初是单纯的声乐记谱方法，它采用的是一些特殊符号，形象的表示旋律的大致走向和基本轮廓，但无法标记具体的音高。13世纪弗朗科采用“有量记谱体系”。使用三种符号来表示音符的时值：长音符、短音符、次短音符。古艺术圣母院派与13世纪经文歌的发展与兴盛是古艺术时期的主要特征，在音乐理论方面，弗朗科的有量记谱法也代表着古艺术时期的主要音乐风格特征。古艺术时期的音乐创作更加注重精神的客观与理性，作曲家力图在音乐创作中严格遵守教会音乐创作的形式框架，以保持音乐风格的宗教气质。新艺术是相对于12—13实际的古艺术而言的，新艺术的音乐风格主要有如下特征：（1）世俗音乐得到快速发展，（2）新艺术的记谱法，维特里提出的“二分法”。（3）等节奏经文歌（4）新艺术时期的新音响2法国新艺术的代表——马肖，世俗复调歌曲最具影响，马肖的音乐创作十分注重旋律的精致与灵巧，善于在各声部间构造和声基础，从而突出上方旋律声部，马肖的复调歌曲形式有三种：维勒来、回旋歌和叙事歌。世俗音乐的发展中世纪采用拉丁文的歌曲大致分为两种形式：一种是孔杜克图斯；另一种为戈利亚的歌曲（既有讥讽社会、谈情说爱、饮酒作乐的内容，又有歌颂生活、爱情等极富诗意的内容）。法国世俗音乐的发展：中世纪早期演唱英雄业绩史诗的世俗歌手常是一些被称为“戎格了”和“游吟诗人”的社会地位低下的流浪艺人。法国游吟诗人在法国南部被称为“特罗巴多”在北部被称为“特罗维尔”。意大利的抒情歌曲主要有：牧歌（是当时最具代表性的世俗复调音乐体裁）、猎歌（采用意大利世俗歌曲体裁内容以描写狩猎活动为主，一般为两个声部，常用卡农形式）和巴拉塔（原为舞蹈歌曲，14世纪出现复调的巴拉塔形式，常为二至三声部）。德国恋诗歌手主要是德国城市中的工匠艺人，有自己的行会组织，被称为“工匠歌手”或“名歌手”★中世纪的乐器：拨弦乐器是竖琴，其次为琉特琴。维埃尔琴是14世纪人们最喜欢的乐器之一，维埃尔琴属弓弦乐器，是当时古提琴和轮擦提琴的总称，也是现代小提琴的前身。有五根弦。管乐器有：竖笛、横笛、肖姆管、短号、风笛等。第三章文艺复兴时期★文艺复兴时期的特点：1世俗音乐的发展2专业音乐的发展3复调音乐的空前繁荣4七月开始走向独立的发展道路。英国作曲家：代表人物是鲍威尔，以首宗教作品为主，创作了50首宗教作品，至少有23首被收入《奥尔德霍尔藏稿》音乐作品大多具有和谐的音响和优美悦耳的旋律，★并且他也是15世纪最早创作弥撒套曲的作曲家之一。邓斯泰布尔：音乐作品多为三声部，上声部最为突出，三个声部常采用相同的节奏，声部间多采用三度、六度音程形成和谐丰满的音响，邓泰布尔同鲍威尔一样，是最早写作弥撒套曲的作曲家之一，不采用素歌旋律。英国的第斯康特最为典型，英国的第斯康特采用音对音的主调和声式的创作手法，在使用三度和六度音程的同时，还倾向采用大调的调性形式，从而使音乐风格更加清新悦耳，结构单纯清晰。勃艮第派：代表作家：杜费，最具有代表性的为：经文歌、弥撒曲和尚松。有9部弥撒曲，其中有6首存留下来，4首是定弦律弥撒曲。在杜飞的带领下，康布雷大教堂成为当时最重要的复调艺术中心。★勃艮第音乐有巨大的吸纳性和国际倾向化。班舒瓦：擅长写作世俗音乐，★以尚松最为代表，是采用法语诗歌谱曲写作的复调音乐作品，旋律优美、清新，其中又略带忧伤，特点：六度和三度的使用使音乐风格饱满、深邃，2在注重表达文艺复兴时期的人文思想的同时，又与含蓄、内敛的宗教精神相结合。3勃艮第音乐有巨大的吸纳性和国际化倾向。法——佛兰德乐派。奥克冈，作曲家、指挥家、歌唱家。奥克冈的弥撒曲都为四个声部，其中有4首为较大型的定旋律弥撒曲，除13首弥撒曲之外，还有10首经文歌和近20首尚松。他的音乐语言庄重威严，音乐风格具有一种哥特式象征主义特征。若斯坎：文艺复兴音乐兴盛时期的代表作曲家，创作了18首弥撒曲，100首经文歌和70首尚松。奥布雷赫特：与若斯坎同时代的荷兰作曲家，一生创作了29首弥撒曲，28首经文歌和一些尚松等世俗音乐体裁。拉絮斯：法——佛兰德乐派的最后一位重要作曲家，也是文艺复兴晚期重要作曲家，一生创作了两千部作品，其中70首弥撒曲，176首牧歌，135首尚松93首利德和520首经文歌。他的经文歌《西比尔的预言》采用的半音化的手法。创作无伴奏合唱★《回声》，至今仍广为传。德国的马丁·路德组织将拉丁文的《圣经》翻译成德文，还收集、改编、创作了许多适合会众演唱的礼拜歌曲——众赞歌，众赞歌是马丁·路德教会歌曲改革的核心内容，德国宗教改革时期，常在音乐创作中采用换歌词形式，通常情况下是将世俗歌词改为宗教歌词。众赞歌经文歌的产生，标志着新教作曲家摆脱了传统众赞歌曲调的束缚，为新教派作曲家提供了一个广阔的创作空间，★罗马乐派：帕勒斯特里那，主要成就是宗教音乐，一弥撒曲最为突出，创作首弥撒，约250首经文歌，50首意大利歌词的宗教牧歌和其他宗教作品。创作了100多首世俗性的牧歌。帕勒斯特里那的创作风格：1歌词不再为复杂的声部进行所遮蔽，可以听得清楚，2声部进行平稳而流畅，没有激烈的跳动，3声部间形成的和声，清新而协调，没有尖锐的不协和音，尽量避免伴音化，4创作了无伴奏合唱的先例。威尼斯乐派：维拉尔特，1527年被任命为圣马可大教堂的指挥，奠定了威尼斯乐派的独特的音乐基础，是威尼斯成为意大利牧歌发展的中心，他还创作了“复合唱风格”，即将唱诗班和乐队分为几组，安排在两侧，两侧均有管风琴。A.加布里埃利和他的侄子G.加布里埃利是继维拉尔特之后的威尼斯乐派的重要作曲家。威尼斯乐派音乐带有双重特点，既是教权的象征，又是皇权的象征。因此，威尼斯乐派的宗教音乐的风格富丽堂皇，色彩绚丽，并以其丰满充实的肢体著称。意大利牧歌的发展分为三个阶段：第一阶段1520-1550年，以佛罗伦萨、罗马、威尼斯为中心，多为四声部主调风格，也运用少量模仿等复调手法。第二阶段1550-1580，以威尼斯为中心，音乐结构以五声部为主，也有四或六声部，既有主调风格，又大量运用复调手法；第三个阶段1580-1620这时期意大利牧歌发展进入成熟阶段，成为高度精致的音乐作品。在音乐创作中大量采用半音化的和声、绘词法，音乐风格多样，音乐的戏剧性表现越来越受到重视。主要作曲家有：卢卡·马伦奇奥卡洛·杰苏阿尔多和克劳迪奥·蒙特威尔第。蒙特威尔第的牧歌最具影响不仅关注歌词的表现，而且还有作品整体的戏剧性。法国尚松：法国作曲家发展了一种具有鲜明民族特性的、用法文歌词的世俗歌曲，成为，法国尚松（巴黎尚松）。法国尚松多为四声部织体，主旋律在高声部下方各声部以同样的节奏陈述歌词，较少运用模仿的手法。音乐开始的段落一般要在作品的结尾再现。德国利德：是德国文艺复兴时期的主要世俗歌曲体裁。德国作曲家海因里希·伊萨克等把复调手法与德国中世纪以来的独唱歌曲利德相结合，使利德成为一种新型的的世俗声乐复调体裁。文艺复兴时期的器乐：管乐器：竖笛、肖姆管、横笛、小号、木管号、萨克布号。弦乐器：维奥尔琴。琉特琴、管风琴、古钢琴。器乐的发展如坎佐纳、利切卡尔、幻想曲、前奏曲和托卡塔等。舞蹈音乐、变奏曲。★古钢琴（维吉娜又称“少女”）产生于14世纪，16世纪已经发展成熟。器乐的发展如坎佐纳、利切卡尔、幻想曲、前奏曲和托卡塔等。舞蹈音乐、变奏曲。第四章巴洛克时期的音乐★巴洛克时期的艺术成就：1歌剧艺术的产生2大小调式、和声体系的逐步完善，3器乐艺术开始于声乐艺术并驾齐驱。巴洛克时期的音乐特征：1新音乐思想观念，2两种规则（蒙特威尔第最早提倡）3情感类型化4节奏与记谱5同奏低音6新对位法与调性和声7特色写作与乐器制造。歌剧：是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾舞）、舞台美术等融为一体的综合性艺术。★咏叹调：是歌剧主角的独唱，相当于戏剧中的独白，它的任务是表现歌剧中主要人物各自的特性，描绘他们的肖像，咏叹调是歌剧中最精彩的音乐，他有完善的结构和情感层次，可拿来单独演唱。宣叙调：又名朗诵词，是一种朗诵式的歌调，相当于戏剧中的对白，不过它是根据自然语气而谱写的旋律具有伴奏，在表现各个主角同一场合中的不同性格，情绪以及相互对北海的一般用重唱较为适宜。序曲：是当歌剧还未开幕前由管弦乐队演奏的音乐，它的使命在于综合的叙述，全部歌剧发展的重要观念，奏出剧中代表主角的旋律，它仿佛是剧情的缩图，歌剧序曲一般常用没有展开部的变体奏鸣曲式结构。4★1597年非正式的上演了《达芙妮》就将这一年视为歌剧诞生年。《达芙妮》乐谱没有保存下来，1600年上演《尤丽迪茜》是现存第一部音乐完整保留下来的歌剧是由佩里和卡契尼作曲、里努契尼做脚本。罗马歌剧：斯特凡诺·兰迪，罗马最著名的歌剧作家。他最重要的歌剧是由尤里奥·罗斯皮利奥西合作台本的《圣阿莱西奥》。★它是由四段（慢-快-慢-快）或三段（快-慢-快）组成，前者预示教堂奏鸣曲的形式。后者则是意大利歌剧序曲的前身，而第二幕之前的前奏曲还预示了法国式歌剧序曲的轮廓。晚期的罗马歌剧：★路易吉·罗西，开始更加注重歌剧的音乐创作，不在限于戏剧，更加注重场面及华丽效果，题材上不局限于神话故事，变得追求情节复杂，虚张声势，同时增加了许多角色，以及更多的独唱、合唱和舞蹈。威尼斯歌剧:1637年威尼斯建成了第一座公众剧院——圣卡西亚诺，上演了歌剧《安德罗梅达》。克劳迪奥·蒙特威尔第：他的作品中体现了巴洛克早期音乐第一规则到第二规则的转变，是巴洛克时期的戏剧性精神的第一为代言人。他的《奥菲欧》是他的第一部歌剧，也是他现存最早的舞台作品。蒙特威尔第更加注重发展歌剧中的戏剧力量。在这部歌剧中，大量的运用了牧歌、单声歌曲、咏叙调（介于咏叹调与宣叙调之间）、二重唱