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一、什么是歌剧(OPERA)？将戏剧、诗歌、音乐、舞蹈和美术结合在一起的综合艺术。她是音乐与戏剧的最高形式。歌剧由于其音乐语言的抽象性和完整性而取得自身的独立性，要完善地展开音乐化的戏剧，音乐（声乐、器乐）必然成为关键性要素。她是作为一种由音乐构成的戏剧作品，这是一种把戏剧发展建立在独立音乐结构基础上的艺术形式。二、歌剧的诞生带有音乐的戏剧很早前就有了，今天被称为“opera”的西欧音乐形态的歌剧，起源于十六世纪的意大利。1600年，诗人O.Rinuccini、作曲家J.Peri和G.Caccini创作了一部抒情性音乐剧《犹丽狄茜》（Euridice)。这就是西方音乐史上至今得以保存的最早的一部歌剧，1600年被称为歌剧诞生的年代。当时这类演出形式并无名称，人们直呼为“用音乐表演的戏剧”。直到17世纪威尼斯歌剧乐派的卡瓦利（Cavalli)才首次将抒情性音乐剧称为歌剧。在文艺复兴的思潮下，产生了歌剧和美声。因此可以说：美声唱法是歌剧的产物，歌剧是文艺复兴的产物，文艺复兴又是当时欧洲资本主义初萌牙的经济基础在上层建筑的反映。三、歌剧的因素1.文学血缘■题材由于音乐强调情感的抽象表现，观众更为关心的是这部作品中所抒之情是否真实，是否让他们为之感动。作曲家往往从既有的文学作品或民间文学中取材。■情节戏剧体现人物性格、揭示矛盾冲突的重要线索。■角色歌剧的主要人物应少而精，一般只有三至四人，其主角性格格外鲜明；歌剧中角色的设置还须受到音乐形式与布局方面的制约。■语言从本质上而言，歌剧的台词是附属性的，恰如雨果所说:在歌剧中，诗歌是音乐的温顺女儿。2.器乐序曲、前奏曲、间奏曲等3.声乐独唱、重唱、合唱4.舞蹈5.舞美四、歌剧演员的声部划分1.歌剧与美声BelCanto——意文词，直译应是“美妙的歌唱”（兼有“美丽的歌曲”之意），在中国一向被译作“美声唱法”。其实她不仅是一种发生或歌唱的方法，还是一种歌唱的风格和流派。◇美声的演唱风格与音乐术语中的“甜美、柔和”（dolce)或“充满爱情的”（amoroso)是分不开的,甚至可以说是同义语。◇美声唱法是歌剧的产物，歌剧是文艺复兴的产物，文艺复兴又是当时欧洲资本主义初萌牙的经济基础在上层建筑的反映。◇美声的技术要求1、呼吸2、起音3、声区的统一4、声音的连贯5、音量的控制6、声音的灵活性7、优美的音质（丰满、明亮、有致远力、松弛而圆润）8、微颤（Vibrato)2.声部划分人类的嗓子，是一种最富于表现力的乐器。人声按照音域的高低和音色的差异，可以分为女高音、女中音、女低音和男高音、男中音、男低音。每一种人声的音域，大约为二个八度。（1）女高音（Soprano)女高音的音域通常是从中央c，即小字一组的c到小字三组的c。演唱女高音的歌手，由于音色、音域和演唱技巧上的差别，又可以分为抒情、花腔和戏剧三类。花腔女高音(ColoraturaSoprano)的音域比一般女高音要高。声音轻巧灵活，色彩丰富，性质有些和乐器中的长笛相似，擅长于演唱快速的音阶、顿音和装饰性的华丽音调，表现欢乐的、热烈的情绪或者抒发理想。如莫扎特《魔笛》中夜后的“复仇”咏叹调;《霍夫曼的故事》中的“木偶之歌”。抒情女高音(LyricSoprano)的声音宽广而清朗，音色清柔，细腻的情感处理，演唱流畅起伏的如歌旋律。如普契尼《艺术家的生涯》中的“咪咪”；普契尼《詹尼.斯基基》中的《我亲爱的爸爸》；德沃夏克《月亮颂》中的水仙女。戏剧女高音(DramaticSoprano)，声音坚强有力，能够表现强烈的、激动的、复杂的情绪，擅于唱戏剧性的歌调。如普契尼《图兰多》中的公主；理查德.施特劳斯《莎乐美》的女主人公。（2）女中音（Alto)女中音的音域和音色在女高音和女低音之间。音域通常从中央c下面小字组的a到小字二组的a。上方音区比女低音明亮，下方音区比女高音深厚。如圣桑《参孙与达丽拉》中的达丽拉；比才《卡门》中的卡门。（3）女低音（Contralto)女低音是女声中最低的声部，音域通常从中央c下面小字组的f到小字二组的f。其音色较女中音更为宽厚、坚实，深沉。在歌剧中不多见，通常不是主要角色，可以扮演书童或少年，有时往往与荡妇、老妇人等联系在一起。如瓦格纳《罗恩格林》中的女巫敖德鲁特。（4）男高音（Tenor)男高音是男声的最高声部，音域通常从中央c下面小字组的c到小字二组的c。在歌剧发展史上，男高音占有重要的地位，第一男主角多为男高音歌唱家扮演。■花腔男高音（ColoratureTenor）声音清润、明亮，擅于演唱轻巧灵活、富于装饰性的旋律。如罗西尼《塞维利亚理发师》中伯爵的一首小夜曲“黎明的太阳从这里升起”。戏剧男高音（DramaticTenor）音色强劲有力，富于英雄气概。在戏剧性或悲剧性特定情境中通过声音和表情显示出慷慨激昂的情感。如威尔第《游吟诗人》中的曼利可；《阿依达》中的拉达梅斯。抒情男高音（LyricTenor）强调音色的明亮，气息的流畅，声音优美柔和，富于歌唱性。适合扮演未经世故的男性，如纯情王子、浪漫少年之类的角色。如莫扎特《魔笛》中的王子塔米诺；普契尼《图兰多》中的卡拉夫王子。（5）男中音（Baritone)在浪漫主义时期的意大利，由于作曲家应用音域的扩展，发展了一种介于男低音和男高音之间的声部。音域一般为F—g1。■炫技性男中音（BravuraBaritone)，音域近似抒情男中音，但擅长语言、节奏的快速机智的表演。如罗西尼的《塞维利亚理发师》中的费加罗，其中有一首著名的快速咏叹调“请让开路……”■戏剧男中音（DramaticBaritone），嗓音结实、浑厚、情绪激烈，音域为E—e1。威尔第《奥赛罗》中的雅戈;《罗恩格林》中的泰拉蒙德■抒情男中音（LiricBaritone)是以抒情见长的男中音，音色温暖内在。如《费加罗的婚礼》中的费加罗；比才《卡门》中的埃斯卡米洛；威尔第《茶花女》中的乔治.阿芒。(6)男低音（Basso)这是人声最低的音域，一般为大字组D—小字一组d。歌唱男低音（BassoChantante)声音流畅、低沉，时而易显轻快、抒情，富于歌唱性。音域D—e1。格鲁克《阿尔米德才》中的军官。戏剧男低音（DramaticBass）以富于戏剧激情而显本色。威尔第《弄臣》中的老年贵族蒙特罗内伯爵。深沉男低音（BassoProtondo)音色重浊宽厚，表情庄严沉稳，适合在舞台上扮演帝王将相。如莫扎特《魔笛》中的大祭司萨拉斯特罗的演唱。3、歌剧角色的音色配置按年领结构设置声部按音色特性安排嗓音类别音色特性对于人物性格刻画具有微妙的作用按声部结构平衡原则巴洛克时期（1600—1750）意大利歌剧乐派蒙特威尔第（1567-1643）意大利作曲家，威尼斯歌剧代表人物，歌剧的戏剧性音乐的创始人。A.斯卡拉蒂（1660-1725），意大利歌剧最重要的承前启后的关键人物，那不勒斯歌剧乐派的创始人，一生写了115部歌剧。法国歌剧吕利（1632-1687）法国歌剧史上盛极一时的人物，他首创的法国民族歌剧对19世纪的法国“大歌剧”有着影响。英国歌剧亨利.普塞尔（1659-1695），英国音乐大师，一生只写过一部歌剧《狄多和艾尼斯》，这部歌剧奠定了英国民族歌剧的基础。德国歌剧亨德尔（1685-1759）巴罗克时期，德国最出色的歌剧作曲家，一生所写40余部歌剧。蒙特威尔第（1567-1643）意大利作曲家。自幼学习音乐，15岁开始为当地的教堂写音乐。1590年，开始在曼图亚公爵的府中任职；后在威尼斯期间，他创作了18部歌剧，他使威尼斯歌剧达到了顶峰状态。被音乐史称为“确定了近代音乐方向的划时代的伟大音乐家”。这主要是他对歌剧发展的贡献：1、大胆的革新了沿袭已久的和声运用，使用不协调和弦，加强色彩性配器，丰富了和声的功能。2、大胆的将管弦乐队引入歌剧的伴奏，扩大管弦乐队的编制，强化管弦乐队的作用。3、他认为“旋律”直接表现人类感情，他的音乐里已经开始有意识地用音乐来表现自己的痛苦、忧伤、思念等内心情绪，这种情感化的音乐思维注定了他将成为歌剧史上最重要的第一人。4、他提出音乐形象必须根据人物的心理活动和感情脉络，进行广阔发展，而表现灵魂深处的激烈活动，他称之为“激烈的风格”。《奥菲欧》首演：1607年，在曼图亚宫廷举行。演出时间：1小时40分钟乐队编制：小提琴、古中提琴、长号、小号、竖琴等36件乐器脚本：意大利语。该剧根据希腊的神话传说写成，亚里山德罗.斯特里奇奥作诗。出场人物：奥菲欧（男中音）、尤丽狄茜（女高音）、女仆（女中音）、音乐的精灵、渡口看守人、冥王及其妻、太阳神、精灵、妖精、牧羊人等。时间：希腊神话时代地点：希腊以及天国和地狱序曲：托卡塔（Toccata）--铜管乐队的号角花彩序唱：是扮演“音乐”的人物的宣叙调，将观众引入奥菲欧那诗一般的神话世界。全剧共分五幕。﹡故事反映了奥菲欧能使自己的歌声战胜一切，却无法战胜自己的感情，也显示了他对爱情的追求和对亡妻的哀恸。全局的音乐抒情流畅，旋律精美雅致，成为歌剧史上第一部真正的歌剧。古典主义时期（1750—1820）音乐中的“古典”一词含有多层含义，它可以包含古希腊罗马时期的艺术原则，可以指各个时期深受人们喜爱的经典作品，可以指1750-1820年间的奥德古典主义音乐，也可以指贝多芬所代表的古典主义音乐的最高成就。并非巴罗克音乐风格的直接延续，两者在18世纪30年代至50年代平行进行，同时存在。古典主义音乐在18世纪主要有三种风格：一、洛可可音乐风格，反映了贵族阶层向资产阶级的转变；二、启蒙运动音乐风格，包括理性精神、乐观精神和追求进步的精神；三、狂飚运动音乐风格，它与德国资产阶级追求崇高的理想相映生辉。格鲁克（1714-1787）歌剧改革使活生生的人性在歌剧中体现出来，将歌剧融合在一种剧情统一、格调高古的气氛中。音乐上，将宣叙调和咏叹调紧密结合为一体，并在宣叙调中加入了伴奏，替代了以往的清宣叙调，并以性格化的配器替代了公式化的配器原则，使歌剧的全剧形成了一个不可分割的整体。《奥菲欧与尤丽狄茜》《伊菲姬尼在陶里德》莫扎特（1756-1791）奥地利作曲家，维也纳古典乐派的代表人物。创作了歌剧、交响曲、协奏曲、奏鸣曲、室内乐等600多部作品。莫扎特与歌剧莫扎特是18世纪歌剧艺术的高峰，他的作品代表了18世纪启蒙时代人们的思想和感情。歌剧的题材大多是幻想和现实结合于一起的产物，他将世俗的欢乐和崇高的音乐完美地结合在一起，因此他是依托于现实生活的第一个成功的歌剧大师。在莫扎特的创作中，可以分成三个部分正歌剧：《伊多梅纽斯》、《狄托的仁慈》意大利风格的喜歌剧《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《女人心》德国风格的歌唱剧：《后宫诱逃》、《魔笛》意大利正歌剧正歌剧源于那不勒斯，情节大多庄重、严肃，题材一般无外乎于悲剧和历史剧，并且有着一套比较严格的规范程序：每部歌剧包含5幕15场，用松散的宣叙调叙事和发展剧情，用咏叹调刻画人物的思想情感。由于正歌剧是深受王室和贵族喜爱的一种娱乐，他的美学目标不在于创造音乐与戏剧的统一体，而是炫耀歌者的高超技巧。意大利喜歌剧意大利喜歌剧由插在正歌剧幕与幕之间演出的短小音乐戏剧发展而成。其剧情富于风趣，常取材于社会生活；音乐生动活泼、短小精悍，包含宣叙调、咏叹调、重唱，说白用无伴奏宣叙调演唱。在表演技巧上运用散文式的歌词，节奏随语言而动，特别是绕口令式的宣叙调十分生动诙谐。歌剧唱段的类型●宣叙调亦称朗诵调，是歌剧演唱音调的一种形态、类型，意文为recitativo。在歌剧中强调朗诵调式、说话似的自然音调变化，在独白、对话中用以表现人物关系和剧情发展,没有固定的结构格式，篇幅短小，具有自由的伸缩性。常用于咏叹调前面的简短叙述，并作为两段咏叹调之间的过渡性段落。干念宣叙调；器乐宣叙调●咏叹调是歌剧中的一种独唱形式，既讲究旋律线条的优美动听，又注重发挥声乐表演技巧，意文aria。卡瓦蒂纳（谣唱曲）；卡巴莱塔；浪漫曲、叙事曲、摇篮曲（小咏叹调）●咏叙调意文为arioso,原意“似咏叹调”。