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美术作品是如何创作的1、作品描绘了什么？2、它来源于什么？赏析开国大典油画董希文开国大典照片透视线引向毛主席真实天安门的廊柱画中天安门的廊柱美术七年级十四册第一课教学目标：1、通过学习了解美术作品创作的过程。2、美术创作是技术与艺术的相结合。3、创新与传统时代的关系。血衣画布·木炭192x345cm1959年中国国家博物馆藏小组讨论这幅作品是怎样产生的？探究解疑历史背景创作过程作品赏析作者王式廓解放初期在华北各地参加土地改革。王式廓(1911—1973)字子容。当代革命现实主义画家和人民美术教育家。早年学习美术，1930年入济南爱美高中艺师科学习西画，开始学习西画，一生留下了许多优秀的作品，其中包括人们熟悉的油画、木刻、素描、速写，此外还有鲜为人知的中国画和书法。王式廓教授的素描在中国现代绘画史上享有很高的地位，有素描艺术巨匠的美誉。《血衣》的创作始于1954年，他深入到生活中，为《血衣》的创作收集了大量的素材、他画了大量的农村老汉形象，可以说，他是在大量的农民肖像写生中，经过不断的加工，提练、酝酿了《血衣》的人物。血衣创作素材赏析血衣创作素材赏析血衣创作素材赏析血衣创作素材赏析血衣创作素材赏析生活的观察与体验剥削压迫《血衣》（大型素描创作）分解图之三从此，他开始构思直接表现土改的创作。随后，王式廓参加土改参观团到湖南，搜集了许多有关资料。有关《血衣》的创作冲动一直在他心里汹涌，每次下乡工作或带学生到农村实习，都要为这张画搜集素材，充实构思。王式廓创作素描《血衣》是呕心沥血，绞尽了脑汁。素描《血衣》从1950年酝酿到1959年完成，整整花费了10年时间。而达芬奇的《蒙娜丽莎》也不过用了8年。利用10年时间创作一件作品，在中国绘画史上是首例。由此，我们不得不折服王式廓强烈的精品意识和严肃的创作态度。1953年完成第一稿时，并没有血衣情节，1954年他受连环画启发，画面上才有了血衣这个中心结构。《血衣》初期草图（第一稿）艺术构思与锤炼《血衣》初期草图（第二稿）《血衣》定稿草图再现性用画笔描述历史它是一部中国农民民主革命的颂歌与史诗，是一座农民土地革命的纪念碑，是中国现代艺术史中现实主义绘画艺术的杰出代表与经典性作品。深入刻画与整体完成赏析血衣油画素描稿王式廓血衣人物形象赏析手持亲人血衣的妇女，手在颤抖，脚已发软，身体扭曲，几乎昏倒，一腔深仇大恨，尽在悲痛欲绝之中。血衣人物形象赏析手拿字据的老农，劳动了一辈子的双手粗大有力，创造了无数财富，但又一贫如洗，反而欠下一身债。血衣人物形象赏析双目失明的老妈妈，眼眶深陷，满腔凄楚，欲哭无泪，她太想见到翻天覆地的外部世界了……血衣人物形象赏析残疾者血衣人物形象赏析1973年王式廓为把《血衣》画成油画．带病到河南巩县再度深入生活，积累素材。为收集色彩的形象素材，王式廓深入农村、水利工地进行写生，工作起来总是废寝忘食，在短短的29天里，他画了74幅画。为了崇高的艺术事业，他是拼上命了。因为他知道失去的时间太多了，所以要争分夺秒，把失去的时间夺回来。据人们回忆，在1973年5月22日这一天的下午6时，王式廓正在画农民双头象的时候，“他脸上冒汗，手也发抖，突然昏迷过去。从此再也未醒过来。”王式廓带着遗憾走了，留给后人的是一笔精神财富。画家用了毕生的精力，以凝重的笔触表达了亿万农民在为自己的生存权而抗争的宏伟场面。就这样，他为着崇高的艺术事业，献上了62岁的宝贵人生。王式廓未完成的油画作品《血衣》壮志未酬，王式廓就突然发病倒在了为《血衣》创造的双人肖像面前。因此，《血衣》是一部“未完成的交响乐”。王式廓多才多艺，一生留下了许多优秀的作品，包括油画、木刻、素描、速写，还有鲜为人知的中国画和书法。著名作品有《参军》、《井冈山会师》、《发明者的夜晚》等。《改造二流子》17×26cm1947年版画《参军》60×92CM1951年油画中国美术馆藏《发明者的夜晚》96.5×126CM1953年油画中国美术馆藏《井冈山会师》142×210cm1959年油画中央档案馆藏第一阶段是对现实生活的观察与体验。第二阶段是对选题的艺术构思与锤炼。第三阶段是深入刻画与整体完成。每一形象，画家都进行了真实的描绘，都洋溢着作者对主人翁的深厚同情和热爱，对于这些受侮辱，受损害的善良农民的悲惨遭遇的不平。作品中，人们看到的是一个在生活中遭受过巨大不幸的妇女，她的痛苦，哀伤和愤怒，都在形象的动态中表现出来。人物再现的真实，更揭示出人物内心世界。更加表现出她久经磨难的经历和刚毅的性格。画家从现实主义出发，用黑白对比的手法，奔放粗犷的线条，对人物细节的虚实处理达到了画面真实与现实真实的统一，使人物的外在形象与内心世界浑然一体。不论是处理历史题材或现实生活的题材，都需要有丰富的生活，需要对生活或历史的深刻理解作基础。——王式廓作品源于生活高于生活技术、艺术画面内容介绍耶稣巴多罗米奥小雅各安德烈犹大彼得约翰达太西蒙马太腓力托马斯老雅各耶稣在正中央，双手摊开，形成一个金字塔构图，象征永恒不朽的稳定力量。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，湛蓝的天空形成一种光环。耶稣神色镇静而又慈祥，很自然地摊开两手，微微低垂着头，毫无恐惧之色面容平静。他的双眼注视画外，似乎看透世间的一切炎凉。犹大面容黑暗阴沉和丑陋，战栗而极端害怕地斜视着威严的基督。（这十三个人中，只有犹大的脸色是灰暗的）他身体后倚，仿佛从耶稣面前往后退，肘部搁在餐桌上，一只手伸向面包，另一只手抓着一个钱袋，他是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。年轻的、具有火爆性格的腓力（或称菲利普）突然按捺不住地从座位上跳了起来，带着不可捉摸的疑问转向基督，想弄清楚这到底是怎么回事，他双手放在胸前似乎在说：”你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。老雅各极度愤慨，用力地摊开双手，身子因失去重心而稍向后仰，好像在向同伴表示：我实在不知道，竟然出了这么大的事，简直不可思议。托马斯疑惑不解，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。犹大的侧面阴影旁是彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白皙的手，他勃然大怒地站起来弯身前倾向着约翰，并把左手按在他的肩头，紧贴耳边，似乎在低声讯问约翰：“你知道是谁出卖了我们的老师吗?”此时他的左手还紧捏着—把刀，好象正在表示，要是我知道是谁告的密，一定要亲手杀死他，来为我们的老师报仇，这是一个急性而富有正义感的人。仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。约翰的头朝彼得垂着。在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰像耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。还有种说法是约翰神志焦虑，不知如何办是好，在倾听彼得细言。（将约翰平移，可以发现约翰的头正好倚在耶稣的肩膀上。）马太虽然脸向左边的老达太，可是双手却伸向基督，好像在讯问有经验的老人，刚才老师讲的话到底指的是谁呢?从老达太摊开的双手看，表示自己也正为这件突如其来的事纳闷，好像在十分疑惑地告话他。我真的什么也不知道。西蒙也在苦苦思索这从天而降的大祸，但是毫无结果。巴多罗米奥与小雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德烈并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。巴多罗米奥好像怀疑自己耳朵听错了，从座位上跳起来，手按在桌上，面对耶稣情绪激动（欣赏者可以通过他朝向耶酥的目光把欣赏的中心自然的转移到耶酥的身上）。小雅各紧张地由背后伸手到第四个人的肩上，形成两组间的联系。这三个人都面向耶稣。图中的各处对比耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环，背景借明亮的窗户衬托出他的光明磊落。犹大阴沉而丑陋的、又显得特别粗鲁的脸皮，被善良貌美的约翰和坚强勇敢的彼得面孔衬托。对照得更加鲜明突出这十三个人中，只有犹大的脸色是灰暗的。放射性构图平行透视法节奏性、次序性严肃感、稳定感构图布局整图色彩以红褐色为主，光线明度由中心向四周放射。耶稣金字塔型的造型和图中最为鲜艳的衣服搭配加强了耶稣的中心地位和庄严感。达·芬奇利用食堂壁面的有限空间，用焦点透视中的一点透视画出画面的深远感，好象晚餐的场面就发生在这间食堂里。他正确地计算离地透视的距离，使水平线恰好与画中的人物与桌子构成一致，给观众造成心理的错觉，仿佛人们亲眼看见这一幕圣经故事的场面。透视分析自身价值及历史意义图画本身展示了画家高超的绘画技巧，画面中的不同形象，巧妙地寓意了人类社会与邪恶的较量，这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，此画无可争议的成为世界美术图库中完美的杰作。思想、情感、精神、意境远取其势，近取其质技术是用来实现艺术理想，表达主题思想的手段，而不是目的。技术是“形”，主题和立意是“神”，形神兼备，才能最终完成美术作品。传统作品一成不变没有新鲜感容易被接受创新作品个性突出与众不同意识超前不被大众接受“巴比松画派”就是“印象派”的前身主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种颜色去反映自然界的瞬间印象，印象主义的作品选择的题材面比较广泛，无论是在城市或是在乡村，画家都试图捕捉到瞬息多变的大自然。印象派既不是粗糙，也不是前卫，更不是抽象，他是将科学的色彩学理论运用于绘画，中国高考艺术专业的色彩考试，也是以这种色彩规律作为标准。印象派在绘画史上留下了浓墨重彩的一笔，不单单因为它“标新立异”、“打破常规”印象派所推崇的整体感、只画色彩，对之后乃至当代的艺术都有着相当深远的影响。印象派的产生并不是偶然的，它是19世纪法国艺术发展的必然趋势。自文艺复兴以来直到l9世纪中叶，艺术家主要探索了造型艺术的素描关系和解剖透视等问题，色彩仅被视物体固有色的明暗变化。尽管此前有德拉克洛瓦、康斯坦勃尔等人对色彩的探索，但毕竟只是尝试性的。大卫、安格尔、库尔贝等人又将素描关系的油画发展到难以超越的高峰，这样，19世纪的艺术家不得不思考绘画艺术新的出路，于是他们在色彩方面开始寻求突破。19世纪照相术的产生，对绘画艺术是一个严重的挑战，促使艺术家去寻找新的出路。第一张照片产生于19世纪20年代，到60年代，照相术已有了很大发展。在此前，绘画承担着记录形象的重要任务，随着照相术的普及，绘画艺术已失去了它从前的优势，当时有些画家甚至认为无发展前途。这种危机感促使艺术家放弃了照片式的古典画法，转而寻找绘画色彩方面的新途径。当时资本主义各国正向东方扩张，东方的艺术和文化开始显露于西方人眼前。日本版画、中国丝织品等东方艺术，其独特的装饰性、平面性、透视方法和单纯艳丽的色彩构成了一个焕发异彩的新的艺术世界，对西方艺术家摆脱传统开始新的追求，也是一个促进和启迪。印象派便在这种历史条件下产生了。野兽主义追求更为主观和强烈的艺术表现。画风不再特别讲究透视和明暗、放弃传统的透视与明暗关系，采用更加平面化的构图、暗面与亮面的强烈对比，纯粹的写实，加入了自己的情感。明代版画不仅用作书籍插图，而且也用于画家传授画法的“画谱”、文人雅士的“笺纸”、制墨名家的“墨谱”，以及民间娱乐用的“酒牌”。《到前线去》1932年胡一川中国革命博物馆收藏抗日时期新兴木刻鲁迅在木刻那里看到的是新的艺术形式，新的制作和传播方法，新型的艺术家，以及新的艺术和社会生活的关系。木刻在视觉语言上的刚健有力之所以值得提倡，是因为它与流行的审美趣味格格不入，因而发聋振聩；这种“力之美”，跟年轻、无名的艺术家对现存艺术体制、规则和标准进行挑战结合在一起，就不仅带来审美经验上的颠覆（“淆乱了雅俗”），同时也表现出新的历史现实和意识（“现代社会的魂魄”），并因此而“为大众所支持”（见鲁迅《〈全国木刻联合展览会专辑〉序》）。当鲁迅把木刻定义为“好的大众的艺术”时，“大众”是有别于“社会”的。“社会”可以“颓唐、小巧”，也可以愚昧而冷漠，往往是一个或者可鄙或者可怜、与自我迥异的被动无情的对象，而“大众”则是一个积极可塑、有主体意识的历史创造者。对这样一个大的历史主体的表述和认同，是左翼启蒙运动的根本动力之一，也是现代版画运动的核心诉求。