搜索
一、西方古代的设计：古埃及、巴比伦、希腊、罗马；公元前四千年奴隶制度的建立到公元4百年罗马帝国解体）；中世纪：公元3世纪到14世纪不同阶段；古典：文艺复兴以后到18世纪三四百年；二、近代的设计：英国和法国资产阶级革命为标志的欧洲资本主义制度建立，18、19世纪；三、现代设计：从20世纪开始；四、后现代设计：20世纪60年代西方设计历史:按照欧洲历史学家的划分,奴隶社会时期的古埃及、西亚、希腊和罗马艺术称之为古典艺术一、西方古代的设计哈特什帕苏墓古埃及新王朝时期，在曼都赫特普三世陵墓的北边建造的女皇哈特什帕苏（Hatshepsut），公元前1525～前1503或者前1479～前1458）的陵墓。哈特什帕苏墓它彻底的淘汰了金字塔。他的建筑师珊缪说，金字塔已经过时了。抛弃了这个传统的遗迹，新陵墓的轴线纵深布局就更加的统一了，新的艺术构思就完整了。哈特什帕苏墓的柱廊比例和谐。方形的柱子，柱高在柱宽的5倍以上。柱间净空将近柱宽的2倍。柱廊庄严而不沉重。陵墓很华丽，布满圆雕、浮雕和壁画。都着鲜艳的色彩。第二层平台上，柱廊的每根柱子前面有一尊女皇的立像，穿着彼岸之神奥西里斯（Osiris）的服装。这种柱子叫奥西里斯柱，是皇帝祀庙特有的，但神的面容确是皇帝的，表示皇帝死后在彼岸为神。希腊雅典卫城修建于公元前5世纪，集古希腊建筑与雕刻艺术之大成。雅典卫城是希腊最杰出的古建筑群，阿克罗波利斯建造的神庙，是综合行的公共建筑，为宗教政治的中心地。现存的主要建筑有山门、帕特农神庙、伊瑞克提翁神庙、埃雷赫修神庙等。这些古建筑无可非议的堪称人类遗产和建筑精品，在建筑学史上具有重要地位。迄今保存下来的大量的珍贵遗迹，集中展示了希腊的古代文明。巴特农神庙巴特农神庙代表了古希腊柱式结构的最高成就。古希腊柱式有多立克柱式、爱奥尼亚式和科林斯柱式。巴特农神庙主体采用多立克柱式，既简洁明确又庄严肃穆，焕发出男性的蓬勃生命力。神庙结构匀称、比例合理，有丰富的韵律感和节奏感，高大挺拔的立住支撑着檐部，是世界艺术史上最完美的建筑之一。多利克柱式一般都建在阶座之上，特点是柱头是个倒圆锥台,没有柱础.柱身有20条凹槽，柱头没有装饰。建造比例通常是：柱下径与柱高的比例是1：5.5；柱高与柱直径的比例是4或6：1。多立克柱又被称为男性柱。著名的雅典卫城（AthenAcropolis）的帕提农神庙（Parthenon）即采用的是多立克柱式；伊奥尼亚柱式：它有柱基，柱身比较细长，上下变化不大，柱身凹槽也更细密、更深。柱头带涡形卷，檐壁有浮雕饰带，整个感觉匀称轻快；科林斯式是从伊奥尼亚柱式演变过来的，只是柱头更为华丽，像一个花篮。相对于爱奥尼柱式，科林斯柱式的装饰性更强。这种样式主要流行于小亚细亚地区。旧石器时代，西方的狩猎名族已经制作了带有动物形象的投枪器一类的工具。新石器时代，欧洲已经出现陶器，距今7500年的地中海沿岸和克里特岛的陶器（盛产陶器）。绘有曲、直线、三角形装饰。——爱琴文明，金属工艺亦发达——迈锡尼文化，擅长金银容器——希腊、罗马时期，陶器以希腊最负盛名，古希腊艺术绘作黑绘、红绘和白底彩绘陶器。古罗马武器设计在中世纪，欧洲的家具设计和制作水平较高，装饰豪华，金属、玻璃等工艺很有成就。如：意大利（佛罗伦萨、罗马、）——法国——英国——威尼斯哥特式艺术哥特式建筑产生与12世纪初的法国巴黎的周围地区，在不到半个世纪的时间里迅速风靡欧洲大陆。从十三世纪下半页开始，哥特式建筑开始趋向成熟，哥特式建筑以其垂直向上的动式势，形象的表现了一切朝向上帝的宗教精神。线条轻快的尖形拱门，造型挺拔的尖形小尖塔，强化了升腾的感觉，同时体现出神的至高无上。哥特式建筑主要体现在飞券的运用，建筑的典型特点是垂直线的使用和尖顶的拱形结构，造成灵巧，上升的力量，形成一种高拔、挺直的建筑形式。丢勒德国画家凡尔赛宫宫殿为古典主义风格建筑，立凡尔赛宫外立面面为标准的古典主义三段式处理，即将立面划分为纵、横三段，建筑左右对称，造型轮廓整齐、庄重雄伟，被称为是理性美的代表。其内部装潢则以巴洛克风格为主，少数厅堂为洛可可风格文艺复兴以后P34罗可可巴洛克二、近代的设计产业革命后，设计不仅面对着市场的需求，更重要的是面对着对机械化生产中如何生产出合乎实用功能和美得产品的问题。美国二、英国工艺美术运动•1.水晶宫博览会的反响•2.潜在的“哥特”精神•3.莫里斯与工艺美术运动现代设计形式•现代设计要求具有特定的信息内容，还有生动的图形语言、非凡的创意、准确的定位和新锐的视觉表现。•形式、创意、定位。竹尾纸展海报广村正彰（日本）平面宇宙“太阳”建筑设计海报文字的城市古希腊戏剧海报安第叶斯法语海报超强力薄荷糖广告荷兰文化节海报三、现代设计包豪斯的设计教育思想一，打破了将“纯粹艺术”与“实用艺术”截然分割的陈腐落后的教育观念，进而提出“集体创作”的新教育理想；二，完成了在“艺术”与“工业”的鸿沟之间的架桥工作，使艺术与技术获得新的统一；三，接受了机械作为艺术家和设计师的创造工具，并研究出大量生产的方法；四，认清了“技术知识”可以传授，而“创作能力”只能启发的事实，为现在设计教育建立了良好的规范；五，发展了现代设计风格，为现代设计指示出正确方向；六，包豪斯坚决反对把风格变成僵死的教条，只承认设计必须跟上时代变化的步伐。四、后现代设计波普艺术是流行艺术（popularart)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（PopArt）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。波普艺术在20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写,意即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。而集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。波普派的艺术家们认为，抽象主义把艺术带进主观的、以自我为中心的境地，使艺术与生活环境脱离。战后的抽象表现主义逃避城市文明的压力，对机械化的、非人性的消费文明采取否定态度。他们要反其道而行之，要面对“生活”，面对机械文明，面对消费文明，他们主张艺术家把所看、所知的生活环境，以大家熟悉的形象表现出来。英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的（为大众设计的）、短暂的（短期方案）、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年），浮滑的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟LaurenceAlloway所提出的。波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊·波洛克所宣称的他“想成为自然”形成鲜明对比。他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。”实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。玛丽莲·梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。除了画家安迪·沃霍尔外，知名的波普艺术家还有理察·汉密尔顿、凯斯·哈林、大卫·霍克尼、贾斯培·琼斯、詹姆斯·罗森奎斯特等。美国波普艺术大师劳申伯于1985年11月在北京中国美术馆举办个人展览后，曾深深影响了一些艺术家的创作，这也导致他们开始采用波普的方式进行创作。例如谷文达、吴山专等。不过席卷画坛的波普画风却形成于九十年代以后，并以王广义为标志。但与美国波普不同，中国的波普艺术家更强调对各种具有历史与政治含义符号的借用，从而揶揄历史与政治的神话。九十年代的波普艺术家主要分布在湖北与上海，。比较有影响的艺术家有魏光庆、杨国辛、袁小舫、李山、余友涵、刘大鸿等。波普艺术的大气候在中国如今已成为过去，但波普式的文化态度与思惟方式却延伸到了许多艺术家那里。这一点，只要人们看看许多当代油画家——包括张晓刚、尚扬以及西南片的第五代艺术家的作品，就会明显体会得到。中国波普艺术的注意代表作品以及作者有：王广义的《大批判——可口可乐》、魏光庆的《红墙——家门和顺》、余友涵的《毛主席和韶山农民谈话》等等。动物纹彩陶壶希腊公元前7世纪末阿甲利斯与阿扎克斯战后休息BC6世纪双耳陶瓶局部图红绘式彩陶瓶希腊公元前5世纪